| 词条 | 电子音乐 |
| 释义 | 电子音乐（Electronicmusic，也称TECHML），简称电音。广义而言，只要是使用电子设备所创造的音乐，都可属之。任何以电子合成器、效果器、电脑音乐软件、鼓机等“乐器”所产生的电子声响，都可合理地称为电子音乐。极狭义而言，电子音乐指涉科技(Techno)、出神(Trance)等种类的乐曲。 电子音乐发展史(1876年 1877年 1913年 1939年 1949年 1951年 1956年 1958年 1963年 1974年 1975年 1977年 1979年 1981年 1982年 1983年 1985年 1988年 1989年 1990年 1991年 1992年 1993年 1994年 2000年) 常见种类(1.House 2.Techno 3.（迷幻舞曲) 4（迪斯科舞曲） 5.（合成器流行) 6.嘻哈) 7.（酸性爵士) 8.（新世纪音乐) 9.（氛围电子) 10.Jungle/Drum n Bass)) 代表性曲目及人物(01.（先驱） 02. （环境音乐） 03. （合成器流行曲） 04. House 05. Big Beat 06. Techno 07. Trance 08. （迷幻爵士） 09. Trip-hop 10. （抽象嘻哈） 11. Drum N' Ba 12. Electroclash) 意义(时代的产物 突破了传统思维模式 高度结合的特殊艺术 引入音乐的表现范畴 新思维和艺术表现空间) 简介及定义简介电子音乐(Electronicmusic，也称TECHML)，简称电音、电子乐。 20世纪50年代兴起的一种新音乐。1951年西德科隆广播电台最初进行电子音乐试验，而影响最大的是西德的斯托克豪森，他于1954年制作了《习作Ⅰ、Ⅱ》并灌成唱片。以后电子音乐开始流行。电子音乐的制作，是用电子技术获得各种音源。它用正弦波造成无泛音的所谓纯音。或用打击乐器、嘈杂乐器发出的杂器发出的杂音，也用人声和具体音乐相结合，通过声音滤波器和反响设备，使之变形、变质、变量，再经其它电子仪器和录音技术加以剪结处理，使之再生、复合，组成作品。在50年代前期，电子音乐是经过计算后才制作的。50年代末产生的电子音乐合成器，可以直接控制音调、节奏、力度和音色，制作者选择应用电钮就能产生各种奇妙的音乐。 定义从广义上来说，电子乐这个词可以指很多的音乐类型，因为电子乐器的使用变得越来越普遍了，而且很多80年代后期的跳舞音乐都是电子乐。广义而言，只要是使用电子设备所创造的音乐，都可称为电子乐。任何以电子合成器、效果器、电脑音乐软件、鼓机（drummachine）等乐器所产生的电子声响，都可合理地称为电子音乐。广义电音的范围相当广泛，电影配乐、广告配乐，甚至某些流行歌、摇滚乐中都会出现，只是常人不易发觉。 以狭义而言，电子音乐指涉科技(Techno)、出神（Trance)等种类的乐曲。然而事实上，只要是使用电子设备所创造的音乐，包括浩室(House)、鼓打贝斯(DrumandBass)等音乐类型，甚至是只是使用电子放大器（amplifier）的爵士乐与民歌，也可以是电音。其实电子乐这个词可以指很多的音乐类型，因为电子乐器的使用变的越来越普遍了，而且很多80年代后期的跳舞音乐都是电子的。电子音乐，其范围相当广泛，电影配乐、广告配乐，甚至某些流行歌、摇滚乐中都会出现，只是常人不易发觉。 电子音乐发展史1876年亚历山大·贝尔发明了可以将声音转化成电子信号的电话。把1876年作为电子音乐元年其实一点都不牵强附会。如果我们到现在都拿着两个中间穿了线的玻璃杯来作远程交流的话，那么电子遇到音乐，将还是遥遥无期的事。 1877年爱迪生发明留声机，尽管爱迪生的留声机只是由齿轮传动的手摇机械装置，但拿着自己发明的土炮录制的“Mary Had a Little Lamb”还是宣告了机械复制时代的来临。不管听起来是否残忍，电子音乐史本身就是部技术史，没有机器就没有电子音乐。 1913年意大利未来主义者Luigi Russolo发表了他最著名的“噪音的艺术”宣言。他号召所有未来主义音乐家都用噪音来取代交响乐队乐器声音的限制。要知道那时候连打击乐都属于“噪音”的范畴。 1939年John Cage写作了他的《想像的风景/第一号》。这首曲子用的是电子音符。尽管John Cage不是纯粹的电子音乐家，但他每次搞搞新意思，现代音乐的发展就往前跨一大步。 1949年法国人Pierre Schaeffer利用自己在法国国家广播公司的职位便利创造了他的《为一个孤独者所作的交响乐》。这是第一件具象音乐作品，也是第一个利用磁带的可能性创作的作品。“具象音乐”说穿了就是“剪刀加糨糊”（cut n' paste）的音乐。今天所有搞电子音乐的都遵循这种前卫法则。封Pierre Schaeffer为电子音乐的老祖奶奶绝对贴切。 1951年Les Paul的名字对搞摇滚的肯定很熟，电吉他就是这厮发明的。一架电子合成器与电子琴的区别就在于合成器里装了许多块效果器。 1956年Stockhausen录制了《Gesang Der Juenglinge》（青年之声）。从此一位电子音乐巨星诞生了，到现在那些做电子音乐的小屁孩还尊他为电子音乐大师，他也无比臭屁地告诉他们：“你们玩的我早在几十年前就全玩过了，你们歇菜吧。” 1958年在布鲁塞尔世界博览会上，应建筑师柯布西埃的邀请，法国音乐家Edgard Varese把电子噪音和飞机的声音拼贴在一起，创作出了电子音诗，在柯布西埃设计的菲利普展馆里播放。这可能是最早的ambient音乐，没有人会到处找演奏者在哪，走进建筑便是走进了音乐。 1963年具象音乐开始走进大众。BBS电台长篇科幻剧“Dr. Who”，大胆启用具象音乐作配乐，把数百万英国家庭主妇吓得要命。随后整个60年代便是电子音乐入倾流行音乐的小打小闹过程。The Beatles在白色专辑里运用了具象音乐；the Grateful Dead乐队在《Anthem of the Sun》磁带拼贴；Miles Davis和Herbie Hancock也把Stockhausen看作是帮助他们创造fusion爵士的重要影响…… 1974年德国乐队Kraftwerk发表了《Autobahn》。这首24分钟的长曲，完全用了电子声音模拟了汽车在高速公路上的一段旅程，成了当年的热门金曲。Kraftwerk最大的贡献是让电子乐彻底与摇滚乐为代表的流行音乐脱离了关系，在音乐分类上独立了出来。 1975年Brian Eno遭遇车祸。这绝对是“塞翁失马”的现代诠释。躺在床上无所事事的Brian Eno在雨声与蚊样的竖琴音乐的交响中悟到Ambient的真谛。随后才有了他发气功一样的唱片《Music For Airport》。 1977年Donna Summer发表了《I Feel Love》这算得上第一支完全用电子乐器制作的流行小调，用来当口水歌也可，用来跳舞也可。Donna Summer在电子音乐的背景上，假装高潮迭起，于是张扬“性即是权利”的Disco音乐便从这首歌开始了。 1979年当所有人都开始厌倦朋克的时候，一众欧洲艺术院校出来的青年将Kraftwerk式的电子音乐和流行小调混在一起，便有了Synth-pop（合成器流行曲）。Gary Numan的出现算是这种风格诞生的标志。以后像Human League、Heaven 17、Depeche Mode都算是集大成者。 1981年Grandmaster Flash激动人心地发现其实唱机并非只是唱片回放设备，通过意外在唱片上进行scratch（乱刮），获得了全新的音乐。是他让唱机获得了新生。他便是历史上第一位Hip Hop DJ。 1982年日本人大发飚的一年。雅马哈的DX-7合成器使用了数码技术。同时日本合成器制造商Roland无可比拟的TR-808鼓机和TB-303贝司机发行。从此，日本机器开始了在电子音乐领域里漫长的统治生涯。 1983年House音乐诞生了。美国的芝加哥Warehouse俱乐部，DJ叫Frankie Knuckles。他把Donna Summer催情的Disco音乐加上廉价鼓机制造出来的节奏混在一起，把舞池里的男同性恋者搞得兴奋异常。第二天，所有人都跑到唱片店去对老板说：“我要他们在Warehouse里播的那种唱片。”House就这么叫开了。直到这年Jesse Saunders发表了“On and On”才宣告第一张House唱片的诞生。 1985年底特律人Juan Atkin发表的《No UFOs》被认为是第一张Techno唱片。其实Techno这个名字借用了未来学家Alvin Toffler在那本《第三浪潮》里的小标题“Techno Rebels”。其实Techno也不是他发明的，1982年，Juan Atkin老听Kraftwerk的《Computer World》，一心要做这样的音乐。于是和Derrick May以及Kevin Saunderson克隆了一把，便有了日后汹涌澎湃的Techno音乐。 1988年英国的Summer of Love上，许多参加跳舞派对的人因为磕药的缘故，对原先House音乐的节奏已感到不满足。所以部分DJ便开始把原来的House舞曲唱片故意增加每分钟33转的速度播放。因此便诞生了Hardcore，它被定义为“终极快乐”的音乐，由于原始唱片被速度加快播放后，人声产生变形，听起来滑稽而有趣。 1989年由于毒品泛滥，英国许多俱乐部被政府控制。跳舞音乐派对不得不挪到户外，便有了锐舞文化。锐舞的核心有两个，一个是drug，另一个播放音乐的DJ成了明星，制作音乐的音乐家反倒没DJ有名了。 1990年Happy Mondays乐队在锐舞文化上受到启发，将电子和摇滚融合到一起。 1991年Massive Attack凭借《Blue Line》作为首支Trip Hop乐队正式登场。以欧陆club音乐趣味去改造美国Hip hop便是Trip Hop的初衷。那候trip hop这个词都还没有被发明出来。 1992年Goldie的“Terminator”一曲融合了Hip hop和Hardcore这两种截然不同的风格，倒意外发明了Jungle音乐。当代的Trance音乐亦在这一年出现，当时德国的柏林和法兰克福的锐舞正如火如荼之中，在Techno的节奏里加进优美动听的旋律便成了Trance音乐标准范本。 1993年西班牙巴塞罗那举办了Sonar音乐节，于是每年就像米兰之于时尚界一样，最新款的电子音乐都会跑到Sonar去发布。这一年，英国的Warp唱片公司发行了Aphex Twin以Polygon Window的化名所发表的《Surfing on the Sinewaves》唱片算是Artificial Intelligence系列音乐，把一批跳脱出跳舞功能的实验电子音乐家收罗旗下。 1994年第一张Café del Mar的店堂音乐精选唱片灌录成CD公开发售。Ibiza岛上的chill out之音获得了全世界的认同。以往只是Jose Padilla自己关起门来挑选一些Jazz、Downtempo、Classic音乐播放，他把那些最舒缓香艳的篇章拿出来衬托Café del Mar销魂蚀骨的落日。 2000年整个2000年的夏天都是UK Garage的天下。BBC Radio 1从英国那些地下电台把专门播放界于Jungle和Soul之间的UK Garage舞曲DJ挖过来大肆鼓吹，整个UK Garage音乐便蔚然成风。 常见种类1.HouseHouse音乐在出现之时就明确了它的节奏是相对Disco的进步。我们习惯性的把一个乐曲中一个小节分为8拍。电子乐的主要区分就是在这个8拍之中。House音乐的8拍通常是由4个重轻拍组成。因此在节奏上十分稳定。速度比较Disco来要快，比起之后出现的Techno要慢，因此，在House音乐中就可以在旋律上增加更多的变化来达到更好的效果。House音乐体现出的从来都是表达一种性感的，暧昧的氛围。因此，在那个年代之中，Huose音乐一直受到欧美Gay Bar的欢迎。而今，House音乐已经成为了世界上的一种十分普遍而又受人欢迎的电子舞曲类型。同样在当前，由于更多的前卫制作人将House音乐进行了更多的改进和创作，Progrissive House也成为了现代俱乐部和舞曲爱好者们的收藏品。House音乐也成为了拥有最多分支的一种舞曲类别，Progrissive House/Epic House/Deep House/Funky House/Hard House等等等等，Break Beat这种独成一派的音乐分支也和House有着千丝万缕的联系。 2.TechnoTechno音乐最早的出现其实是比House要早，早在70年代，德国的工业电子鼻祖级人物Kraftwark就开始利用电子设备和鼓机来制作出节奏冰冷的全重拍作品，但是十分遗憾的是，那个时候，他们制作出的Techno音乐并没有多少舞曲音乐中流行的趋势，因此当时的Techno也只能属于小范围内地下发展的一部分。一直到90年代初期，Techno开始正式登上了舞曲音乐的舞台。而它的流行起源也是在德国。按照8拍理论来说，Techno的作品的构成是8个重拍，Techno作品是一种狠+准的表现。（比如最近很流行的Crazy Frog就是Techno音乐的代表)它缺乏旋律上的东西，虽然是有旋律的，但是旋律十分的简单。所以对那些雄性荷尔蒙分泌过剩的男人和缺乏激情的女人以及夜晚上夜班打瞌睡的人们来说，这种舞曲形式是很适合他们的。但是由于Techno音乐旋律上的问题，使得Techno在发展的同时又开始了另一轮的转型。形成了IDM-Techno/Minimal Techno和Trance两种音乐形式。 3.（迷幻舞曲)当Techno正在底特律萌芽时，美国本土却没太多人注意它，反倒是德国的DJ们很爱这种跳舞音乐，且他们走的是又快又猛的路线。后来他们在Techno中加入一些很有催眠感的TB-303声音，或是些快速的钢琴弹奏，便渐渐演化成现今的Trance。 Trance的本意即是〝恍惚〞之意，但大多数人喜欢它梦幻的感觉，甚至有人喜欢它邪气的部份。Trance保留了Techno的律动和能量，更著重于旋律部份，且在Trance中，低音部份占了相当重的份量，因为bass音很能产生迷幻感。有时也能听到类似弦乐手法的堆叠旋律，或是跳跃式的音符。总之，你可以很轻易的感受出这类音乐所要营造的气氛。 在Trance的众多分支中，最重要的非Goa Trance莫属，有时它也被称作Psychedelic Trance。Goa一字来自于印度的某一小岛的名字，在那常常举办party。Goa Trance有著层层堆叠的TB-303声音，音符变化之间非常细微，更有著东方色彩。如果你在唱片行看到Goa Trance唱片封面上印著佛像，不用太惊讶。 4（迪斯科舞曲）Disco 迪斯科这个词是discotheque的简称，原意为播放唱片供人跳舞的舞厅，70年代初源于法国。由于设备的不断更新，每家舞厅只要拥一套播放机和一名唱片播放员就足以替代整个乐队，而且还可得到各种不同的音乐，既省钱又实用。因此，各大舞厅都采用这种方法。于是人们把这种由唱片播放出来的跳舞音乐也叫做迪斯科。60年代中期，迪斯科传入美国，70年代初在全国各地扩散开来。 迪斯科舞曲具有强劲有力的节拍，一般为4/4 拍，每一拍都是强拍，从头到尾不变；速度大约为每分钟120拍；它的曲调短小，歌词简单，不断重复。其实，任何一首曲子，只要调整一下速度，改成强弱不分的节拍，都可以变成迪斯科。起初，迪斯科舞厅播放的只是适合跳舞的流行歌曲和摇滚乐，如摩城的索尔音乐等，后来，逐渐出现了专门的迪斯科创作曲 Disco不仅仅只是一种舞曲风格，它是当今崇尚服饰`时尚`潮流的原起点。如果没有Disco的话可能现在我们的生活还是黑白的。 5.（合成器流行)Synth Pop中的 " Synth"，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。Synth Pop於八十年代初期开始流行，至八十年代中期开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲” （3-minutes Pop)，很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。Synth Pop代表组合：Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan。 6.嘻哈)属于 Breakbeat分支，自身流行性比较强.Hip Hop美国早期的黑人社会非常流行，70年後，舞厅开始使用开放这一类的舞曲，直到这时，Hip Hop才被广泛使用，且逐渐被主流音乐接受！ Hip Hop表现来自与Rap的搭配，在内容上它要传达的是当时的生活形态，像是当时流行的语言、服装或音乐类型！与Rap不同的是，Hip Hop速度上并没有像Rap那么快，同时节奏段落也显得较柔和！舞厅跳舞。美国70年代初期，黑人电台一直在音乐和文化传达上面扮演着重要的角色，Hip Hop的舞曲音乐也是这样从这些黑人电台流传开来。因为Hip Hop音乐中强调的自我表达意念，所以Hip Hop的拥护者大多是年轻人。到目前为止，Hip Hop已经大约有20几年的历史了。不过，它依旧是现今最有创意和活力的舞曲，它还影响了日后House、Techno、Jungle 和Acid Jazz等音乐类型的发展。HIP-HOP DANCE也正是现在最广泛流行的一种街舞类型。如果我们以舞蹈的观点来看，它可以分成NEW SCHOOL以及OLD SCHOOL两大类，如何去区分这两大类型呢?我们可以以年代及动作或是音乐类型来作区分，其实HIP-HOP也可说是各种 街舞的总称， 7.（酸性爵士)这类音乐是成长在爵士、funk、hip-hop之间的音乐。酸性爵士有三个基本元素：它作为一个极富力度的撞击而存在，起初的风格类似于爵士和非洲古巴舞曲，但是它又固执的游离在funk,hip-hop和舞曲音乐之间。1988年，最初它出现在作为美国唱片的说明性短语和重新发行的70年代的英语歌收录辑系列的标题中，被Brits称作在80年代中期再现的特别的夹缝音乐。在80年代中期和90年代初，一些酸性爵士的艺术家们显露出来。如今，越来越多的爵士乐手加入到Acid Jazz阵营里，而越来越多的电子音乐制作人也开始越来越爵士化了。 8.（新世纪音乐)NEW AGE是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。NEW AGE可以是纯 ACOUSTIC（即以传统自发声乐器演奏)的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。NEW AGE很多时与音乐治疗有关，不少NEW AGE音乐说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与 NEW AGE思潮哲学有莫大关系。NEW AGE音乐通常被认为颇为中产阶级的音乐， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司， NEW AGE代表乐手有 ENYA， GEORGE WINSTON， WILLIAM ACKERMAN， YANNI， KITARO等等。 9.（氛围电子)这类电子乐起伏不大，但其实一直在做改变，像是长时间的音效,或是渐进式的音乐编排等等，常会营造出有层次的空间感，所以被称为情境音乐，且常对於生活周遭的声音做取样，如人声，汽车声，甚至是其他音乐的旋律...等等.初听会感觉很虚无，飘渺，没什么存在感.为70年代的Brian Eno所创，是一种很高深的电子音乐.后来Ambient也有分支，如Ambient House,Ambient Techno...等等，相信大家从字面上就能了解，其实在很多种音乐中都会有Ambient的影子，甚至某些古典乐中 也有Ambient的味道. AMEBIENT先驱John Cage相当有名的作品：4'33"即表现了AMEBIENT这个概念。John Cage请和他长期合作的钢琴手David Tudor〝表演〞这首〝曲子〞。他请David Tudor带一个时钟上舞台，然后坐在钢琴前盯著时钟看，但是啥也不弹奏，等到四分三十三秒过后再下台。如此的举动，自然引起台下听众不安的气氛，听众们开始发出许多杂乱的声音，包括交头接耳，坐立不安，等等窸窣声。John Cage就是要大家感受这种〝身历其境〞的感觉，和环境中的各种声音。此举堪称乐坛创举。 10.Jungle/Drum n Bass)DNB是出现在Break Beat音乐的基础上的。按照8拍理论来看，DNB的拍子分类是在是乱得让人无法去数清楚。但是DNB音乐的精彩也就是在这乱之中。DNB音乐虽然节奏听起来很乱，但是依然按照8拍理论起码会有两个重拍出现在相同的位置来引导舞池中人身体的动感。这也就是现代DNB音乐最高明的地方所在，虽然DNB听起来节奏很快，但是如Omin Trio,London Elektricity等人的作品偏向氛围和爵士的节奏也让DNB听起来不发旋律感. 代表性曲目及人物01.（先驱）撇开Stockhausen、Varese或是Xenakis不谈，电子音乐之所以能进入大众视野，全拜以下这些音乐人所赐。 01.1 - Kraftwerk《Trans-Europe Express》，1977：Krautrock阵营里最值得一听再听的唱片，以近乎冷漠的表达为技术歌功诵德。当《号外》做电子音乐特辑时，以黄耀明做模特克隆这张经典唱片封面的时候，《Trans-Europe Express》已不单单只是个电子音乐史上杰作，更是一种fashion icon了。 01.2 - Jean Michel Jarre《Oxygen》，1977：上世纪80年代，Jean Michel Jarre作为电子音乐大使在北京和上海的两场音乐会真是万人空巷，穿中山装的群众们和他热烈讨论Mozart和Beethoven的区别。重新聆听《Oxygen》，这部用古董电子乐器所炮制交响诗，回想到“万人空巷”这个词，实在没有把它妖魔化。 01.3 - Giorgio Moroder《E=MC2》，1980：Disco教父Giorgio Moroder的唱片最好是一张黑胶碟。Analogue时期的电子音乐到现在已成为新的chic。《E=MC2》从没有在唱片架上落过灰尘，一遍又一遍重访那个带有sci-fi情结的性感年代。 02. （环境音乐）02.1 - Brain Eno《Ambient 1: Music for Airports》，1978：Brian Eno算是Ambient最名正言顺的创造者。《Music for Airport》里那些叫人辨不清方向的闲散音符一直如魑魅一般飘来荡去。相信如果把这张唱片与Brian Eno的另一张Ambient杰作《Discreet Music》对换，也没什么人能听出里面的区别。 02.2 - The Orb《The Orb's Adventure Beyond the Ultraworld》，1991：最初迷上是因为开篇的一曲“Little Fluffy Cloud”，如童话一般色彩斑斓，又充满奇诡想像。The Orb的Alex Peterson像是一不小心抖落了装载满童年回忆的口袋，各式各样的小玩意和纪念品，一古脑儿全掉了下来。 02.3 - Aphex Twin《Selected Ambient Works Vol. 2》，1994：“电子音乐领域的Mozart”这个头衔对于恶男Aphex Twin来说很贴切，尤其是这张《Selected Ambient Works Vol. 2》一如Mozart一般静谧而悠远。当然天才如Aphex Twin者，不仅自己能拼装出一台analogue合成器，甚至一个礼拜便能制作出塞满6张CD的音乐，实属天人。 03. （合成器流行曲）Synth-pop甫一浮出水面的时候与Glam Rock的关系似乎更大一些，颠覆punk的艺术化流行小调，如在音乐里追寻Andy Warhol所带来的流行灵感。如今借由Electroclash咸鱼翻生的十几二十年前的电子口水歌，统统成了高档货。 03.1 - Tubeway Army《Replicas》，1979：这次Gary Numan并非以solo的样貌出现，所有人却把这张唱片归于伟大的奶油小生Gary Numan个人的名下。封面上Gary Numan顾影自怜的样子最叫人永生难忘。有异装癖的电音怪人Terre Thaemlitz也忍不住20年后用钢琴重新温习这张唱片，并且克隆出来的封面里，甚至那扇窗都是20年前一模一样的。 03.2 - Depeche Mode《Songs of Faith and Devotion》，1997：一直认为Depeche Mode有种积毁销骨，消磨意志的负面力量。那些具有分裂般美感的旋律与吟唱，一如在暗夜悠然飘出的一缕鸦片香，美得让人有犯错误的冲动。 03.3 - Pet Shop Boys《Please》，1986：放在整个Synth-pop阵营里来考察Pet Shop Boys，他们都算得上是异类，没有那些艺术青年所通常抱有的顾影自怜，反而干净得如青春期少年，并且十数年如一日，这点最值得骄傲。而《Please》里的“West End Girls”也绝对是Pet Shop Boys迄今为止最棒的歌。 04. House一种Disco音乐的变种，加上了4/4拍的电子节奏而成。就像朗姆酒是鸡尾酒的基酒一样，House是整个当代电子舞曲的基础形态，最容易在各大舞池里被听到。 04.1 - Leftfield《Leftism》，1995：House音乐在Leftfield这里开始跳脱出娱乐的功能，成为一种激进的音乐。朋克音乐借由Leftfield再度复活，John Lydon在“Burn Hollywood Burn”的叫嚣，使人回响起“UK Anarchy”。Leftfield对House的创造性改造，使之成为一张经典唱片，而非随时准备被淘汰的舞池单曲。 04.2 - Armand Van Helden《2 Future 4 U》，1998：Armand van Helden最著名的曲子可能是为Tori Amos的“Professional Widow”所做的mix。至于其后一张专辑《Killing Puritans》里拿德国重金属经典乐队Scorpions的乐曲做菜，改装成house单曲。其带点摇滚般重型风味的house也实在是该领域内少数派翘楚。 04.3 - Daft Punk《Home Work》，1997：若干年前，是Air乐队的《Moon Safari》以及Daft Punk的这张《Homework》，才使得巴黎成为电子音乐新的孵化阵地。一向擅长搞怪作乱的Daft Punk，把跳舞音乐归结为“狂热、简单、能量和效率”。《Homework》甫一推出，所有的舞池都在播放“Da Funk”。 05. Big Beat给电子音乐一点摇滚的刺激似乎是Big Beat诞生的所有原因。几乎摆脱了电子跳舞音乐里disco的传统，直接在摇滚里吸取灵感，使Big Beat一开始便成为了排行榜的宠儿。 05.1 - Prodigy《The Fat of the Land》，1997：关键是主唱的鸡冠头，让所有的punk乐迷在翻阅音乐杂志时，对这支乐队都颇有好感。当然，音乐里那punk式的唱腔，以及纵火狂般的酣畅淋漓，使Prodigy成为整个Big Beat运动里第一支最成功的乐队，其风头盖过1997所出的一切摇滚唱片，即便是正在浪尖上的Brit Pop也显得暗淡无光。 05.2 - Chemical Brothers《Dig Your Own Hole》，1997：像Chemical Brothers那样把节拍做到如化学试验般诡谲莫测的程度，是该专门为他们发明个“Chemical Beats”的专用分类学名词。收集齐所有来自《Dig Your Own Hole》的单曲唱片的无聊举动，也只可能发生当时的Chemical Brothers的身上。整个评论界对Chemical Brothers的专宠行为，也使其他一众Big Beat明星显得哗众取宠了一些。 05.3 - Fatboy Slim《You've Come A Long Way,Baby》，1998：一天能收到4首单曲的混音定单，看来只能发生在Fatboy Slim身上。这张唱片的成功绝对为此推波助澜。化名为Fatboy Slim的Norman Cook最具娱乐大众的本领，同一时期他的单曲以及他为别人所作的混音单曲排着队上榜，使这张《You've Come A Long Way,Baby》更像是张Big Beat的compilation唱片。 06. Techno2/2拍的枯燥机械舞曲，源自Kraftwerk的灵感，却成为整个电子跳舞音乐里最核心的品种。对于死硬派的乐迷来说，Techno远比乖巧的其他乐种更纯粹，更刺激。 06.1 - Derrick May《Innovator》，1997：作为Techno的发源地底特律的3位创始人之一，Derrick May早已成为DJ界内的传奇性人物，在整个电子跳舞音乐不长的历史中，真正能走进殿堂的人还不算多。正当绝大多数人把Techno认作是时髦流行音乐里唯一源自白人的风格时，却往往忽视了几位Techno的创始人，兼最优秀的DJ均是黑人。Derrick May在《Innovator》里，那种反黑人传统的诗意的Techno最是行云流水般畅快。 06.2 - Underworld《Second Toughest in the Infants》，1996：英伦最具轰炸力的Techno组合当属Underworld，那种融进英伦气息的Techno最叫人怀念Syn-pop时期的好风景，只是更直白、更明确、更狠，也更精致。 06.3 - Plastikman《Consumed》，1998：正是因为Techno的节奏原型太简单，所以Plastikman对Techno的改造更具实验性，也更敏感。在《Consumed》晦涩的听感里，蕴涵了太多的细节变化，似乎是离大众远了，却更贴近Techno艺术的核心。 07. TranceTrance被称作Techno的改良版，自Techno越来越往听不懂的方向发展时，Trance适时地为它加进了许多easy 的元素。 07.1 - Paul Van Dyk《Out There and Back》，2000：这张唱片里融进了最多欧陆流行曲的风味。在Paul Van Dyk身上，在机械的节奏上，加进几乎是浪漫的风情是Paul Van Dyk成为DJ明星的法宝。 07.2 - BT《ESCM》，1997：它被誉为是最具史诗般风格的Trance唱片，BT那种直接从new age里汲取灵感的Trance，确实具有摧枯拉朽的力量。 08. （迷幻爵士）这种诞生于1990年代初英国DISCO舞厅的电子音乐，似乎越来越成为爵士乐复兴的一个载体：让爵士乐重新回到舞池里。越来越多的爵士乐手加入到Acid Jazz阵营里，而越来越多的电子音乐制作人也开始越来越爵士化了。 08.1 - Us3《Hand on the Torch》，1993：这张据说是Blue Note历史上最畅销的唱片，大概也是Acid Jazz中最畅销的一张了。首张单曲“Cantaloop (Flip Fantasia)”使Herbie Hancock原作 “Cantaloop”成了街知巷闻的热门旋律。 08.2 - Gilles Peterson《INCredible Sound of Gilles Peterson》，1999：Gilles Peterson被誉为Acid Jazz运动的开国功臣，他不仅是世界级DJ，还是厂牌Acid Jazz的联合创始人，也是著名厂牌Talkin' Loud的老板。是Acid Jazz最孜孜不倦的推广人。 08.3 - James Taylor Quartet《The Money Spyder》，1987：据说这支乐队才是Acid Jazz这个名词的创始人。无论如何，这个由与美国老牌民谣摇滚明星James Taylor同名的英国人领导的四重奏组合，是Acid Jazz舞台上最早也是最活跃的艺人之一，他们非常浓厚的Soul Jazz风格实际上在Acid Jazz之中树立了一个鲜明的标尺，并深深影响了很多后来的Acid Jazz乐队。[此处提供该乐队的精选辑，请点击。] 09. Trip-hop有那么几年，Trip-hop阴暗的节奏不仅统治了英国乐坛，也成了全世界摇滚迷和艺人热烈追捧的对象。一段时间，英国人竟然要高喊“Trip-hop已死”，这只能表明：Trip-hop已经成为不可磨灭的音乐之血渗进了后来的电子音乐骨头之中。 09.1 - Massive Attack《Blue Lines》，1991； 09.2 - Portishead《Dummy》1994； 09.3 - Tricky《Maxinquaye》，1995； 对于Trip-hop三巨头的这3张几乎人人都有的处女作，还有什么好说的呢？还是把版面留给其它人吧。 09.4 - Moloko《Do You Like My Tight Sweater?》，1995：跟Portishead一样，这是一男一女两人组合；跟Portishead完全不同，这个组合玩的尽管也是Trip-hop，却有着少有的幽默感，一听起他们懒洋洋的滑稽歌曲，就会忍不住笑着手舞足蹈起来。 10. （抽象嘻哈）Hip Hop升级版，把Hip Hop最核心的部分拿出来作实验，反而最远离原初的黑人音乐根源，从而把Hip Hop带出贫民窟。 10.1 - DJ Shadow《Entroducing...》，1996：Abstract Hip Hop里最经典的唱片，DJ Shadow那如魔术一样的双手化一切腐朽为神奇。那种复杂编排，以及将scratch技术发挥到极致的聪明构思，使这张唱片今天听来也仍犀利无比。 10.2 - DJ Krush《Zen》，2001：DJ Krush可能是日本向世界输送的最大Hip Hop明星了。那种具有异国情调的Hip Hop化学配方最是绕过具有意识形态特质的黑人根源，而直达Hip Hop音乐本身。其实很难分清部分Abstract Hip Hop与Trip Hop的区别，在DJ Krush身上也不例外，只是这样一种音乐上的cross over的尝试，似乎是Hip Hop走出自身藩篱的绝妙尝试。 10.3 - Antip-pop Consotium《Tragic Epilogue》，2000：Anti-pop Consotium更加实验得厉害，那种原初Hip Hop里粗野的rap已被知识分子化政治宣言以及美学主张所取代，其表达的内容更深刻，在音乐上也积极向实验跳舞音乐靠拢，想像力更加丰富了。 11. Drum N' Ba21世纪初期最流行的电子音乐类型之一，流行的时间并不算长，便被相对温和的UK Garage所取代。 11.1 - Roni Size & Reprazent《New Forms》，1997：自称创造了“叫人得心脏病的舞曲”，这样一支全明星阵容所组成的Drum N' Bass乐队，当年该专辑一推出，便力排Radiohead、Prodigy，以及Chemical Brothers这类浪尖人物，摘得专门表彰创新艺人的Mercury音乐大奖。正如其标题所昭示的，Roni Size Reprazent的音乐以全新的形式感超越了Drum N ' Bass创始人Goldie 11.2 - Photek《Modus Operandi》，1997：Photek的Drum N Bass则更黑暗幽深，不讲究乖张突兀的奇诡细节，反而将其简化到如Ambient般营造氛围的境界，一如观看一部黑白间谍电影，紧张与压抑的气氛在这张专辑里挥之不去。 11.3 - Talvin Singh《OK》，1998：Talvin Singh将印度传统音乐与Drum N ' Bass节奏嫁接到了一起，使传统、异国情调、以及在当时来说最尖端的电子跳舞音乐汇聚到了一起，所有的这些时髦元素，使这张《OK》成为当年最具创意的专辑。 12. Electroclash新近的时髦电子音乐，融进行为艺术、戏剧表演，源自punk或Synth-pop的上世纪70年代末音乐审美重新成为今天新的时尚。 12.1 - Fischerspooner《#1》，2002：作为Electroclash运动里最大的明星Fischerspooner，他们将美妙的音乐、绚丽的服饰、强劲的视频设备以及戈戈舞女们的表演完美地结合在一起。由Fischerspooner所代表的Electroclash是一场充满DIY精神的运动，它借用大摇滚乐队那样极度风格化的表现形式，使俱乐部文化与先锋表演艺术亦得以复兴。 意义时代的产物电子音乐与其说是高科技的产物，不如说是时代的产物，与过去的摇滚乐有所不同，它更提倡青年人的参与精神，每一个电子音乐的追随者都坚信只有TECHML近乎一百分贝的震撼，才能使人获得心跳每分钟一百三十下的刺激与享受。它要求并不是用耳朵去听，而是要用全身心去感觉。电子音乐的宗旨是爱、和平、团结，这倒与联合国宪章有着异曲同工之妙，对于电子音乐的崇拜者来说，他们推崇的是少说话多思索的人生态度，追求人性中的真善美，并试图以一种博爱精神和世界大同的家庭观念来消除竞争社会中人与人之间的隔阂与冷漠 。 突破了传统思维模式这种突破从音乐的内容到音乐的形式.从音乐的创作形态到音乐的传播方法.从音乐的组织原则到音乐的发展逻辑 ...... 我们仅以音乐的组织原则为例.传统音乐的基本特征可以形象化地概括为:以线性思维的方式[组织音符"-即以节拍律动形式构成节奏.以音高的组织形式构成旋律.以音阶的组合形式构成调式体系.以和声的序进形式构成纵向的多声体系.以复调的组织形式构成横向的多声体系等等，而电子音乐的组织特征则是以非线性思维的方式[组织声音"-即前期的原始声音录制.采样等.中期的声音加工处理.包括以各种电子化方式的变化和处理声音原型.使之产生裂变和各种变形处理.局部分轨及局部拼贴.各类蒙太奇组合编辑和局部的合成等.以及后期的总体合成等. 高度结合的特殊艺术这种特殊性决定了从事这门艺术的艺术家必须是音乐思维和技术思维同样出众的复合型人才.与纯粹靠写作乐谱的[笔头创作"的作曲家相比.从事电子音乐的作曲家知识结构中技术性和操作性的[理工科"成分明显重要，具体地讲.在全面掌握音乐创作[文科"方面的基本技术如传统作曲技术的[四大件"(和声学.曲式学.对位法和配器法)之外.同样必须掌握[理工科"方面的技术[四大件"(音乐声学.电子技术.录音技术和计算机技术).二者相辅相成.缺一不可.今天的电脑.就象上个世纪的电吉他和上上个世纪的钢琴:一件极平常极普通的乐器.更多情况下.作曲和演奏合二为一.这是电子音乐的一个特点.一个人在实验室就可把作品创作完成.操作仪器.既是作曲又是演奏.而不再如传统音乐那样需要好多人数次烦琐的排练.意见难以统一.既省了人力又省了时间. 引入音乐的表现范畴电子音乐最早把空间的概念引入音乐的表现范畴.传统音乐的主要传播形式是音乐会演奏现场.这样除去音乐本体的音乐音响外.音乐厅的体积和面积以至环境的声学处理等物理条件是决定最终的声音结果.这个结果是具体的.有形的.固定的.封闭的声场概念.电子音乐则利用软件.硬件相结合的方式.营造和开掘出一个虚拟的.无形的.可塑的.流动的.开放的声场概念.更深入一步.这个音乐表现的具体空间作为一个明确的声场是现实有形的.其第二层含义则是通过科技手段给我们提供一个可以自由想象.自由发挥的.无形的虚拟空间. 新思维和艺术表现空间（1）电子音乐以载体形式.可以纳入语言化人声和其它传统中难以入乐的声音 （2）.电子音乐的出现使传统的音乐要素失去主导地位 （3）.从某种程度上说电子音乐革命了传统音乐 著名玩家与DJ亚洲电子音乐第一人罗百吉 来自台湾的歌手罗百吉，素有“音乐小孩”之称，他曾是台湾电子舞曲的先锋和代表，最值得一提的 是，罗百吉是东南亚最好的舞曲原创DJ，带领着舞曲的新风潮。曾有人这样评价罗百吉：东南亚两三万人的派对场，只要有罗百吉，就一定能让所有的人激扬到天亮。罗百吉第一次来七星大擂台做节目，最让人想不到的是，他在台上台下简直是判若两人，台上劲歌劲舞，在台下却安静得像一个刚入世的大男孩儿一样憨态可掬。 其他著名玩家范吉利斯 麦当娜 凯莉·米洛 阿曼·凡布伦 Ke$ha Britney Jean Spears RedOne Jennifer Lopez Pitbull David Guetta Lady Gaga LMFAO Rihanna AIR Andre Tanneberger(ATB) APHEX TWIN BECK COLD CUT DAFT PUNK DJ FOOD 发电厂乐团（Kraftwerk） DJ Tiesto提雅斯多，来自荷兰原名为Tijs Verwest。 Infected Mushroom－以色利电音二人组 JAMES LAVELLE Perfume（日本) Y.M.O（日本） La Roux 李贞贤(韩国) 与其它文化的关系舞吧及锐舞文化电子音乐与舞吧文化、锐舞文化密不可分。舞吧与尤其是户外锐舞PARTY，其中比较著名的像西班牙的“ibiza”岛等户外露天full moon party，必然少不了电子音乐。透过DJ播放电子音乐，或称“打碟”，舞吧与锐舞派对的气氛才能炒热起来。有些锐舞客可能使用摇头丸、K他命等娱乐药物或毒品来助兴。而电子音乐因此曾蒙受误解：与毒品有连带关系。然而就实质而言，电子音乐只是一种音乐类型而已。 演绎跨界音乐青年古琴演奏家巫娜一直活跃在跨界演出的舞台上，积极与新音乐、爵士乐、摇滚乐以及多种艺术活动进行合作，14日将在天津音乐厅举行的《巫娜的选本古琴音乐会》将以“什么人在唱”为线索，让观众领略到古琴、吟诵与电子乐巧妙融合的艺术感受。 巫娜是优秀的青年古琴演奏家，中央民族歌舞团演奏员，毕业于中央音乐学院，师从著名古琴演奏家、教育家李祥霆，是中国第一位古琴硕士，于2003年创办了自己的第一个古琴工作室，多年来一直坚持以独立身份进行古琴教育和推广活动。巫娜与崔健、窦唯、许巍等音乐人有过多次合作，同时也是崔健和窦唯的古琴老师，并曾担任他们演唱会特邀嘉宾。致力于跨界音乐研究的巫娜，巧妙地融合了不同的音乐形式，将传统民乐和流行音乐结合在一起，在音乐界掀起一阵跨界合作的新浪潮。巫娜感慨道：“我弹琴不是为了粉丝和传统的框框，它完全属于自然的、心灵的。” 此次天津的古琴音乐会结合朗诵、电子乐等形式，通过“谁在弹琴”、“谁为琴伴”和“有朋自远方来”三个板块，将《流水》、《幽兰》、《梅花三弄》、《关山月》、《阳关三叠》等经典古琴曲一一展现，而与来自比利时的音乐家Esther venrooy合作的《什人唱》更是整场演出的最大亮点，电子乐与古琴相互辉映，娓娓道来。 电子乐巨星Tricky来自英国的电子乐巨星Tricky今年八月再临中国，虽被奉为Trip-hop三巨头之一，但是他却讨厌这个标签，他喜欢创造不一样的新风格。他的唱片产量远远把Massive Attack和Portishead抛在脑后，并一直保持着对舞池的强大统治力。这位反叛的、富有个性的、打破过去所有规则的音乐天才将会在8月2日第一次登上MAO Livehouse上海店的舞台，用他自己独有的方式为你展现今年最精彩的一次现场。 Tricky的音乐生涯开始于英国的电子城布里斯托尔，不幸的童年经历给他以后的音乐创作带来了阴暗幽闭复杂的情绪。曾经参与了Massive Attack“Blue Lines”这张大热专辑的录制，离开Massive Attack后又发表了一张更为成功的个人处子作，作为九十年代最好的专辑之一，“Maxinquaye”竟拥有多达六首的单曲，让Tricky一举跻身巨星行列。迷幻的节奏，加上漂亮的旋律，还有Tricky的低吟，让听众在聆听中逃离现实世界，进入梦境。在之后的时间里，Tricky依然不断变革着，从非洲音乐到雷鬼，再到爵士乐，都被他杂糅在一起，创造着新的音乐风格。 去年，Tricky发表了他的第九张录音室专辑“Mixed Race”，也是他签入独立大厂Domino后发表的第二张专辑，在Tricky现在的居住地巴黎录制完成。在专辑里，Tricky一如既往坚持他的音乐喜好，把英国、美国、北非、牙买加以及法国的音乐风格结合在一起，绝对是去年最多人眼球的大作之一！在2009年，Tricky第一次来到中国，为首届张北草原音乐节最后一日压轴，持续到深夜的演出给观众带来前所未有的震撼体验。现在，这位电子乐界的巨星即将第一次来到上海，在MAO Livehouse献上永远无法知道下一秒会发生什么的现场表演！ 电子乐器种类电吉他、电贝斯、电钢琴、电子琴、合成器、电架子鼓、电小提琴、电大提琴、电黑管、电手风琴、电钟琴等。 原理电子乐器可以模仿各种乐器发出的声音，要模仿的逼真，其关键是要电子乐器所发出的声音，要与模仿乐器发出的声音的音色特征尽可能的一致跟一般的电器的材质、发声原理都不同 电子乐器在现代发展迅速，软件为主的虚拟机器已成为主流，主要的平台为Steinberg Cubase为主的VST Plugin 由软件模拟的混音器及各种效果器Reverb残响，Chrous合声，EQ 音质等化器，真空管音箱模拟TUBE AMP 延迟 Delay，以及其他各种模拟效果器Pitch,Wah-Wah....用来替代早期的各种录音效果器. 音序器Sequencer，早期用来记载音符时值及力度，速度及其他控制数位讯号的机器，现代亦由软件模拟取代. 多轨录音器Multitrack Recording Machine，也由软件所取代.成为在电脑上使用硬盘纪录录音音轨资料. 早期的混音器（Mixer)现代亦由软件所取代. 软件模拟机器，在电脑屏幕上由视窗化的GUI接口，使用者可以再操作时看到与实体机器一样的外观和类似的操作方法. 并无不同. 合成器（Synthizer)，鼓组音源（Drum)的其他插件，用来取代早期硬件机器的音源器，合成器. MIDI接口的各种乐器将可简单的接上电脑直接弹奏或打击并且简易的录制下来编修存盘. 麦克风前级及压缩限制器现代亦由软件模拟所取代. |
| 随便看 |
百科全书收录4421916条中文百科知识，基本涵盖了大多数领域的百科知识，是一部内容开放、自由的电子版百科全书。