萧如松(1922~1992)，台湾画家，以水彩创作闻名，其作品曾获台阳展佳作奖。1975年萧如松开始担任省展水彩画部的评审，自一九九二年萧如松去世，其故居长期呈现无人管理状态，新竹文化局建设保护萧如松故居。

个人简介

艺术成就

任教

逝世

故居

故居规划

艺术展

画风发展

移居新竹

艺术评价

个人简介

萧如松 1922年生于台湾台北，其作品曾获台阳展佳作奖与中国学会1972年度最优水彩画家金爵奖等。萧氏曾应邀参加中日交换展、美国新港中国当代画家联展、费城中国文化展，并曾任中国画学会、台阳美术协会会员青云美术会会员，在台湾画坛占有一席之地。

艺术成就

60年代西方现代前卫画派狂飙横扫，40而立的萧如松，师法毕加索，造型上常在抽象与半具象的形象之间变化，开启自身「立体派的抽象几何风格」。他在天花板上悬吊各式折纸造型，利用旋转方向造成「随机组合」，产生新的视觉印象。然后减少线条，以色面为表现主体，经营出立体派的拼贴效果，画面单纯直接，力道直指观者内心。本幅《静物B》澄如明镜，色彩沉静如水，堪称代表力作。

萧如松深耕艺田，以水彩创作闻名。他舍弃渲染淋漓的透明水彩，改采线条有力、层次沉稳的不透明水彩。画风简洁，在二度平面中，空间层次丰富多变，作品澄净、透明、清凉并充满韵律。

任教

萧如松(1922~1992)老师为新竹县北埔乡人，自1950年起，任教于新竹县地区近四十年，一丝不苟的教学作风及规定上课前要打扫教室的「萧氏美术课」，让所有受教过的学子印象深刻。

逝世

尽管在40年代台阳美展中，已展露过人的构图天分与惊人的用色技巧，但从未停止阅读、研究、吸收西洋美术的观念；不断自修苦学揣摩印象、立体、野兽等艺术作品，并融合传统东方书法的线条与笔触，创出独树一格的绘画风格。先后多次参加省展、台阳展、青云展、全省教职员美展均获得极高的荣誉，并得到省展免审查的认定。 然自一九九二年萧如松老师去世，其故居长期呈现无人管理状态，十数年的闲置、荒废，历史处所俨然成为废墟，令人惋惜！

故居

新竹文化局一向视文化资产的保存为职志，有鉴于萧老师一生在艺术及教育的贡献卓著，足以为国人之楷模与表率，而「萧如松故居」不但是萧氏过去储放个人物品之私人空间，同时也孕育其艺术生命的重要温床。宏观地说：「萧如松故居」这个空间，视为储存着大量属于竹县人记忆的共同空间。 新竹县文化局一直以来都很积极地进行「萧如松艺术园区」的规划，并于九十三年五月决议成立筹备委员会，并邀集学者、专家及地方士绅等进行讨论。希望透过学者专家们的研拟、审阅及重整修正，以期尽量减少误差的还原「萧如松故居」的原本面貌。现今已将故居空间?造复活，并将周遭的旧宿舍整建，附加其艺文性质功能，如：艺术作品的展示、艺文活动交流的地点、艺文研讨讲座举办、民众的艺文休憩空间等…，「萧如松艺术园区」依「公办民营」或「公共造产」的方式已完成公开招标，计画于九十七年完成内装工程后转由民间企业─名冠艺术馆作为经营管理的受托单位。未来「萧如松艺术园区」的长期规划将结合周遭地区之历史建物、形象商圈、文化馆舍、风景区及相关游憩景点，使其发展成为一个完整之文化休闲游憩网络。

故居规划

1、保存竹东客家地区人文荟萃

除了萧如松大师之外，也还有许许多多的艺文、美术、书法、音乐的名家，希望借由萧如松大师故居的整建，塑造竹东地区的艺术园区，并作为艺术作品收集、储存及展示、发表之中心。同时亦创造一个竹东艺文美术的新基地。

2、文化资产的保存

萧如松老师的故居，是他储放物品的空间；也是他生活的最重要部分；更是储存属于客家人记忆的共同资料库。对其具有文化艺术价值又有客家代表性的故居，以再生利用之方式加以保存修复。同时，借助民间的力量与公部门的结合，共同经营管理，以餐饮、咖啡、品茗的方式与历史建筑的共构，让更多人来此参与、使用，使园区亦成为地方上的一个文化景点与特色。

3、创造艺文展演空间

除了静态的展示，园区也规划了动态的音乐演奏及小型剧场的演出，以提供更多地方艺术界、教育界的人士来参与，希望借由历史空间之再生利用设计重点将其内在的艺文、文化内涵与休闲产业结合，让更多的人来认识、了解萧如松大师的绘画风格、艺术成就与他的生活哲学，同时更提供大家更具文化气息与艺术价值的休闲型态，让本案成为竹东地区的文化艺术指标，提升县内休闲产业的品质。

4、迈向国际的艺术文化交流

竹东地区，幅员广大，人文艺术亦有许多杰出的成就，希望萧如松艺术园区成立，扮演推展客家地方艺术文化或各项艺术成就，迈向国际文化界的助手，一方面，促进国际美术文化的交流，也打开了地方的国际知名度。初期的规划将以故居作为艺术园区的中心，并将周遭的宿舍整建，附加其艺文性质功能，如：艺术作品的展示、艺文活动交流地点、艺文研讨讲座的举办、民众的艺文休憩空间等…，并期望借由专业经营团队的进驻与营运，进而将萧如松艺术园区形塑成为具纪念、展示、亦可推展当地文化特色，发挥永续经营精神之艺术园区。

艺术展

1993年因为承办台北市立美术馆「萧如松艺术展」，在两个月极为仓促的筹办期间中，展开了对于萧如松画作的初步观察。由于特立独行的他于1992年骤然去世，一生活动行谊尚未留下清楚的纪事数据，而散佚各处征集不易的作品又多半没有标示创作年代，加上当时艺术学界对于萧如松其人其画的研究成果非常稀少，短时间内实在难以系统而深入的呈现萧如松的艺术发展全貌，只能抱着在期限内尽量将重要作品呈现出来的心情来办展，并将自己对萧先生作品的观察心得，发表在当年的展览专辑中（注1），由于欠缺相关资料，那篇短文只能对萧先生的创作题材及表现形式作简单的归类与分析，而无法深入探索萧如松的作品断代及其美学发展。虽然对于箫如松的作品依然抱持高度兴趣，但因工作繁忙，这几年间也无暇进一步展开调查研究工作；然而这次欣然得知新竹县立文化中心将于1999年10月举办萧如松先生的大型展览，并答应交出一篇小感言，这时才又开始搜索枯阳地希望挤出一点心得，六年前那种在书桌前发呆的场面彷佛又重来了一遍----

画风发展

从萧如松1975至1988年（该年自竹东高中退休）遣留下来的五张碳笔素描落款（注2），推断这些应是在竹东高中上课时所画的，这些画稿反映出早年未曾进入美术专门学校的萧如松，碳笔素描功大不见得非常细致纯厚，但他对物体造型与线条的掌握能力却相当精准利落。另外，从许多描写校园景色及新竹各地风光的作品中，除了刚柔并济的线条之外，我们还看到碳笔素描没能呈现的优美色彩；的确，细致刚毅的线条与卓越的色彩感，才是萧如松水彩绘画的重要特色。然而除了天生巧手之外，漫长的自学过程中，还有什么会是影响萧如松画风发展呢？

萧如松（1922 ~ 1992）籍贯虽是新竹北埔，但他却出生在台北市，南门寻常小学校毕业后（1929 ~ 1935），就读于台北市立第一中学校（1935 ~ 1940），在十八岁少年时期之前，他都在台北都会地区活动；而1940至1942年在新竹师范就读的那段时间，以及1946年定居新竹之后，萧如松才开始对故乡新竹有较长时闲的体会与观察。早年台北生活对他创作影响最深的，无疑是少年时期受到盐月桃甫的启发。盐月桃甫先生1921年来台之后，曾于台北一中。台北高校任教，当许武勇1933年就读台北高校后，有七年时间与盐月保持密切的师生关系（注3），而就读台北一中的萧如松并没有许武勇那么幸运，他曾说：『…盐月桃甫过于忙碌，经常没有到课堂上来，尽管在北一中时期，我前后只有两次机会，但是直到日后我反复推敲盐月老师的指导，依旧能够从中获益不少。』（注4）如果要从创作形式中看出盐月画风与萧如松表现的直接关连，那么的确可以从萧如松中晚年一些半抽象的树间林木画面看出其中的类似性，但比起技法的传授，实际上创作观念的启发，才是盐月对学生们更深远的影响。若从绘画表现形式来思索盐月、许武勇及萧如松师生三人的共通特点，那么应该就是「以独立坚强的意志，表现极其浪漫唯美的意识，并在画面中以独创的表现形式，蕴蓄饱满的情绪张力」的一种创作态度吧。

移居新竹

至于移居新竹后的艺术环境如何？新竹师范三年闲，他是否受到师长有川武夫的影响，目前尚未搜得相关资料，难以加以厘清；而青壮年时期参加新竹地区暑期教员讲习会，受益于李泽藩，萧如松则有以下的描述：「他用颜色表现校园夏日草地上的光线和亮度，启发了我对光线处理、分析的灵感。」（注5）而这点被触动的灵感，日后在萧如松的桌上静物或风景画的创作实验中，展现了多样而深刻的发展；对光线处理分析的高度兴趣，也就成为萧如松画风表现极为重要的一环。此外还有一个值得再观察的线索是，萧如松一些早期类似东洋画（胶彩画）风格的作品，似乎与郭雪湖的画风颇为接近，关于两人交游及画风的相关性，到待日后更多资料出现再行探究。

如果说台北盐月桃甫启迪萧如松的，是一种在封闭的时代气氛中，发掘在野的、独创的、自发性的创作精神，那么新竹李泽藩教导他的，应该是一种谦逊观察万物，再藉由画展观摩的进修态度。所以我们可以看到，一方面萧如松与同辈艺术家相比，画风的确充满了创新的概念，他自己也曾说：「我的画就是现代画」、「静物画总是用暗的背景来衬托亮的主题，反过来不行吗？」（注6），然而另一方面，萧如松也极有恒心的年年参与历史悠久风格较为保守的台阳展、青云展以及全省美展，藉以观摩砥砺画技，甚至在担任省展水彩画部评审委员的同时，也没有什么身段的送件参加国画二部而连连入选。

艺术评价

虽然萧如松并没有受到多少师长的教导与提携，也不曾到日本的美术专门学校深造，数十年闭居新竹的漫长自修过程，只能从身边有限的美术书籍或相关资料获得养分，不断努力观察大自然四季晨昏的变化，随时倾听自己内心的声音，然后一点一滴累积、修正、实验出属于自己的独创画风，就这一点而言，或许可以解释为何他会以同一个取景，画出好几张类似的作品。就萧如松艺术学习与发展历程来看，这位默默创作、一生未曾踏出国门的画者，的确是位深耕台湾艺土的杰出艺术家。

关于萧如松作品风格的再观察，限于时间，这次只能从极不齐全的省展目录去寻求线索，幸而还是找出一些标的性作品的创作年代，不过就目前所得的数据，还不足以为作品做精确分期断代，于是我只好还是承续六年前那种以题材分类的方式，来陈述这次的观察结果。

一、 人物画：

从现行出版画册及现存画作来看，萧如松早年对于实体量感的掌握与人物内心思绪的描写都曾下过功夫。萧如松1950年结婚后，几幅以妻子为模特儿的女子坐像，是目前所见萧如松人物画中最具人间性的，萧师母坐姿端庄、装束简单素朴，神情淡泊却略显轻愁，光线在人物身上所造成的强烈光影，更增加了画面的抒情性。与这几幅推测约60年代所作的不透明水彩画像相比，1970年代具东洋画风味的女子像，表现形式就较为概念化，并且更加抒情唯美，具有不食人间烟火的脱俗形象。虽然目前资料没有任何有关于萧如松正式学习东洋画的记载，然而有趣的是，他却能以不透明水彩平涂技法，画出类东洋画风味的作品送件参加省展国画第二部。

二、风景画：

萧如松早期如花园、溪流等风景画（图九、十），构图较注重景深与空间感，妥善掌握景物实体的质感量感

三、静物画：

萧如松早期静物作品，对于物体空闲位置是颇为注重的，1960年代，他大量尝试多层次复杂空间的描绘，并且将景物平面化，其中尤以层层迭迭但可以穿逶的透明空间，处理最为独到。这类画面的基本元素多半是：在光线幽暗却有着多扇门窗的室内，桌上放置几个玻璃杯及几株草叶；但在画家巧思安排之下，原本陈设简单的画室，却变成一个充满神秘光影效果的魔术世界，在此物体与物体的关联，由一种表面的相互依存空间，转换成可以互相穿透的、自由进入的、多重的相互关系与位置。而除了画面巧妙形式之外，这类作品杰出之处在于其所蕴含的深厚诗意，以及其所能激发观者思绪穿逶飞升的力量。于是窗明几净的静物画，几乎成了萧如松的商标，而他也从1960年代各种几何分割画面的实验中，追寻出一种能够兼融理性与感性的画面形式，直至1980年代，他还是对于这样的追寻乐此不疲，1984年39届省展担任水彩评审时的作品「窗」，几何线条分割块面的刚冷感与水彩渲染柔和风味，交迭刚柔并济之感，只不过与人物、风景画相类似的是，1980年代的静物画，更加强调减笔与几何性的发展，虽然画面更加利落简明，但感性的成分相形之下便减少了。

有关对萧如松绘画发展的观察，最后还需一提的是：

在省展多波折、属于边陲地带的胶彩画部门，萧如松参所提出的类东洋画风的人物画，明显与当时国画第二部大多数类油彩厚涂表现技法的作品大不相同；当时台湾胶彩画在林之助先生的提倡之下，一大批台中地区的画家，几乎全都倾向厚重胶彩画风，并在省展屡获佳绩；在这股风潮之下，无师自通的萧如松依旧坚持其一贯的淡雅品味，于是他的画风便可视为边陲中的边陲。不但如此，萧如松在西画部门也选择了较为边陲的水彩画，沿袭自日治时期的发展，水彩画在官办展览中，总是无法占有重要地位，水彩画家刘文伟在省展五十年的纪念文章中提到：「从整个西画部气势衡量，水彩画相形之下显得微不足道……第28届起增加「水彩画」、「版画」、「美术工艺」等三部，从此水彩画不再寄油画篱下……」。萧如松因为没钱买油画颜料，数十年来只得以水彩为媒材创作，1975年萧如松开始担任省展水彩画部的评审，直至去世为止，他都一直默默在水彩这个冷门的领域，研究开拓新的表现形式，这种沉潜自持的功夫，实在令人敬佩。

无论世事如何转变，对于为人处世或是艺术风格的看法，萧如松都自有定见，但耿介孤寂的萧如松果真难觅知音吗？其实早在1960年，王白渊对萧如松就有相当肯定的评述：「萧君的画年年有进步，而且很坚实地站在造型艺术的大道上成长，没有片刻走入偏途，一贯守着美术的界线与特性，这是非常可敬的。他对自然有非常热烈的爱情，他透过这个爱情，将自然的种种相貌，很忠实的表现出来。