永井一正简介

日宣美展与21之会

透过线与结构追求沟通本质

贴近万物与生命共舞

见微知着的省思

永井一正简介

1929年出生于日本大孤

1951年就学于东京帝国艺术大学刻专业.

1960年参予创立“日本设计中心”

1966年他第一次完成札幌冬季奥运会和冲绳海洋科学博览会的系列设计

从1960年至1988年他获得了JAAC奖、朝日广告奖、每日设计奖、东京ADC会员奖

华沙国际广告招贴双年展金奖、银奖、特别奖、日本艺术文部大臣奖、紫绶褒奖

布尔诺国际平面设计双年展金奖、东京国际印刷品设计双年展奖、东京国立控美术馆奖

东京ADC会员最高奖、莫斯科国际招贴广告三年展最高奖、墨西哥国际招贴广告双年展第一名

他的作品被东京国立近代美术、富山县立近代美术馆、姬路市立美术馆等地收藏

目前为JAGDA副会长、AGI会员、日本设计中心主席

日宣美展与21之会

二次大战之后，日本的平面设计主要是以海报宣传做为发展主轴，1951年(日本昭和26年)由于“日宣美展”的设立，设计人才辈出，日本的平面设计也建构在这个基石上；之后由于摄影、插画促成图像风格抬头，也使得平面设计这个领域更为多样化。

永井先生在1950年代日本“日宣美展”及东京ADC 成立之后，进入关西的“大和纺织”任职，当时的广告设计环境并不如现在专业分工，皆由一人独揽全部工作；由于永井在东京艺术大学就读时专攻雕刻，对设计的认知完全阙如，主要端靠自己对形象的主观意念。之后透过《Press Art》杂志，得与居住大阪地区的田中一光、木村恒久、片山利弘等设计家交流，并组成「A 俱乐部」；1958年经由杉浦康平的提议，以龟仓雄策为中心的年轻设计家如：杉浦康平、粟津洁、福田繁雄、胜井三雄、植松国臣、宇野亚喜良、江岛任、白井

正治、仲条正义、细谷岩、村越襄…等，和大阪「A 俱乐部」中的永井一正、田中一光、木村恒久、片山利弘等人扩大为“21之会”(每个月21日例会)，参与这个例会对永井一正而言，不仅感受到新鲜、刺激，也充满着更为重要的挑战意味。

永井先生初期的设计育成主要以“日宣美展”为中心，这个美展是日本平面设计史的重要指标　；第16届时大桥正、早川良雄及永井一正皆获会员赏，第17届由细谷岩获得。尽管当时在〈日宣美的窥探〉、〈日宣美的反省〉、〈丧失个性〉、〈海报可以抛弃了〉…等一片冷酷的批判声中，于1966年第十九届展览后黯然结束，但当时热衷于平面设计的这些中坚设计家－溯自1960年(昭和35年)以原弘、胜见胜、龟仓雄策、河野鹰思为主而结合的1964东京奥林匹克运动会设计群，后来都成为推动日本设计功不可没的英雄，创造了至今傲视全球、屹立不摇的坚实设计基业。

透过线与结构追求沟通本质

1974年与1976年永井先生两度为第一、二届“轻井泽音乐节”(New Music Media，以现代音乐、摇滚、影像、戏剧为主) 设计海报，第一届的海报设计以直线并列交叉方式，采用几何图形作为构成的主要元素，利用放射状直线、平面与立体的椭圆、直线聚合成的块面以及明暗所产生的对比、均衡…等效果，把「线」当作调整二度空间跨越至三度空间联系的重要语汇，藉由画面中“线”( 不论是直线、折线、弧线、辐射线或圆形组合而成的曲线) 的构成，来探求“线”的形态与特质，并藉此产生奇妙的立体空间。第二届则尝试利用并列的直线，从线条的垂直、曲折变化与交织的大小空间、留白反托，透过视觉错视去追求造型表现中耐人寻味的理性构成。

永井先生的作品风格约略分为四期，早期设计的主要基石可说建立在「线」上(约1966～1973年左右)，但是在追求「线性节奏」的同时，并未影响他对海报设计中新领域－－「结构」的关注，从线的特性与构成转进到形体的虚实与主从关系的探索(约1974～1976年左右)，由于这一阶段尝试运用图像与「线」的结合，从纯粹美学表现形式而言，并未完全融汇一体、构筑极为完足的现代形貌。

即便如此，从初起至今，我们可以看出永井先生一贯追求抽象设计的初衷至今未变，这种追求抽象表现形式，据永井先生自称深受龟仓雄策的影响。相对于龟仓雄策采用欧洲设计体系的技法，同样以几何图形构成和自我意识极为鲜明的色彩运用，将日本海报设计实质改造，这种外在形式的变化可说是形而下的表现面相；而以“面”做为主要造形核心的田中一光，不论使用文字或色块，通过对东西方调和的理论与实践，其形而上审美精神的互补与调和，已将外在形式转换成自我面相。永井先生自身抽象论转变时期(1980年左右)的作品实例，可以1981年(昭和56年)的“富山县立近代美术馆”等一系列作品为代表，透过几何图形转换的视觉语汇，将个人感性的概念投影在设计当中，使抽象的形质更加简约地呈现出来。

从永井先生的自述中，可以得知在一连串国际、国内获奖之后，远离广告形式表现的海报设计已开始萌芽 (约1980年左右 )，并逐渐扩大广告与艺术创作的分野；在此同时，为追求新风格的呈现，断然扬弃旧有的绘图和云形规等工具，开始摸索着端靠手艺描绘心中缤纷的世界－也可以说是带有冒险性的探求另一未知的广袤天地；由于这一全新的尝试，透过日本传统艺术的洗礼，所呈现的结构平面化、角色虚拟化、意象丰富化，引领我们走入迥异的奇特世界。

贴近万物与生命共舞

由于现代文明的发展，造成自然生态环境的破坏，受到日本自古以来便留传的“人与动、植物皆生而平等”之共生、共荣思想，1987年左右永井先生开始兴起将自然界的动物，从具象形态转化为抽象的重大转变；从60年代初冷涩的抽象构成，极为个人化的呈现理性意念，突然转换成具象且精致的点描手绘，这样的巨变即连一路相偕走过“日宣美展”的横尾忠则也极为诧异。

永井先生初期追求抽象性的设计，之后由于体认到日本的平面设计有一天势必要通过设计这个管道向世界发声，对传统解体的再认识，也必须思索现代视觉新构成的必要性。透过这样的自觉，我们可以看出在表现技法中大部分仍保有日本江户时期“浮世绘”版画的平涂效果，并不追求立体阴影层次；藉由散步时天马行空思考所浮现的创意造形，历经酝酿、发想、草图、组合，以致于定案成型，从其使用于海报的动物象征化发想实验过程，可以看出对于一个出身于传统广告行业的设计者，即使仅仅是部份细微的毛、线手绘描写，也时时讲究绢印之后可能呈现的效果，关心是否完整表达了所要彰显的意图。

从永井先生的作品中可以察觉：微视的图像表现背后隐喻的巨视意涵，即便是深埋在作品中的细点、细线与装饰符号，处处都流泻出作者内心汹涌澎湃的情感，无须使用繁复的色彩，而以沉默、单纯的点、线交织更让人沉思的重要意念——这些作品中，非仅单纯停留在动物的描绘而已，其中还加入了自然界的日月星辰、植物、昆虫、蔬果……等，藉由极为单纯的手绘线条与细密交织的点描，每一次伴随着画者的呼吸，隐然与大自然的广大生命共舞，贴近自然界单纯且更为真实的脉动。

见微知着的省思

永井夫人曾戏称永井一正先生是一位连瓦斯都不知如何开关的人，做为一个执着于“设计”这个行业的设计者而言，沉浸于纯粹——绝对地单纯，相反的更能将自我的意念心无旁骛地完整呈现；透过永井先生的原作，呈显巨细靡遗的严苛要求、一路走来与生俱进的自我腾升，我们可以自精微处解读大师之所以为大师的宏风范；如同横尾忠则先生所说：曾经诧异于永井先生的说变就变，完全毫无脉络可循，对于这样的人物不能太掉以轻心，说不定哪一天又会突然给我们另一个毫无预警的惊喜。

近几十年放眼举世的平面设计，几乎淹没在计算机的洪流当中，透过计算机软件所呈现的技法，海报设计数度呈显技法充斥、创意表现急速倒退的「衰退危机」；尤其广告设计学生在盲目玩弄技法之后，反而忽略了做为海报所必须思考的创意表现、传达的意念——“视知觉”的完美呈现。所幸近年来透过国际交流，我们仍看到东欧国家及全世界有知的杰出设计家在全球性的冲击中，或借用计算机数字绘画技法，或秉持传统手艺，仍然在计算机交织成的厚实云层中，为平面设计展露一些亮丽的阳光。

从一个出身于传统广告行业的设计大师身上，我们认知到表现手法的重要性，计算机数字与传统手绘都只是传达意念的手段，诚如福田繁雄大师所说：“计算机不透过’人‘去开机，它是永远不会动的！”如何在计算机资讯快速发展的时代，提出完整的“视知觉”设计，才是做为设计者的首要课题。